Parece pouco, mas profissionais da indústria afirmam que de 15 a 20 por cento dos tecidos utilizados nas fábricas para a produção de roupas acaba no lixo, porque é mais barato jogar fora os retalhos do que reciclá-los.

Fica bem claro que a tendência chegou para ficar quando em uma mesma matéria se juntam informações como:

- a Parsons vai oferecer um curso sobre o tema em breve

- na Nova Zelândia começa uma exposição sobre o tema que deve depois aportar em NY

- um livro sobre o tema será lançado em 2011

A matéria ainda traz nomes de designers do mundo que estão liderando este movimento. Vale a pena ler.

A BBC está apresentando uma série de reportagens que busca mostrar as profundas transformações promovidas pela internet e a revolução digital: SuperPower – How Internet Changed the World. Numa das experiências mais interessantes, o programa propõe plugar um vilarejo na Nigéria (uma das áreas menos conectadas do mundo) e desconectar duas famílias na Coréia do Sul (onde existe a maior penetração de Internet do mundo) pelo período de uma semana visando analisar o que significa estar conectado e desconectado neste mundo digital, e como a conexão transforma a vida e reduz distâncias.

A experiência em Seul acabou no dia 5 de fevereiro deste ano, e as famílias contam no programa como conseguiram “sobreviver” a este período unplugged. Entre suspiros de alegria pela volta da Internet às suas vidas, constatações como a do pai da família Yang não deixam dúvidas de que o “experimento” foi de grande utilidade; para ele, estar desplugado o ajudou a descobrir um certo tempo perdido. Para sua esposa, Youm Jung-a, a experiência certamente mudará a forma como ela usará a Internet no futuro – ainda que se mostre muito contente pela volta da conexão em sua vida. Youm Jung-a verbaliza claramente a ideia de que, ao passar tanto tempo conectados, perdemos o tempo que antes tínhamos de convivência com amigos, vizinhos e família.

“This week I’ve had more time to play with the kids and chat to neighbours. In future I might try to limit the hours I spend online – there are so many other things to do.”

Os relatos da experiência na Coréia podem ser lidos aqui

Enquanto isso, esperamos pelas transformações ocorridas em Gitata na Nigéria onde dois moradores foram escolhidos para serem conectados durante uma semana.

Talvez a experiência de estar conectado pela primeira vez seja mais sufocante que a de se desconectar por uma semana. Então, que transformações culturais e de comportamento uma conexão pode trazer para áreas afastadas e desprivilegiadas do globo? Certamente são transformações muito mais interessantes do que as sofridas pelas mulheres nos programas de troca de esposas (Trading Spouses ou Wife Swap) mas não tão diferentes como as mudanças enfrentadas pelas comunidades indígenas e quilombolas no Brasil que recentemente têm tido acesso ao mundo digital.

É esperar para constatar.

Ao invés de uma cidade limpa, o MAK Center de Los Angeles resolveu propôr uma cidade cheia de arte, quase uma outdoor parede (=cow parede), no projeto que ganhou o título de “How Many Billboards? Art Instead”

Segundo o diretor do museu, Kimberli Meyer, a arte deveria periodicamente ocupar o espaço da propaganda no ambiente urbano, propondo um diálogo e não mais um ruído visual para as cidades. É importante levar em consideração que os outdoors, assim como já aconteceu em São Paulo, são ainda parte intrinseca da paisagem de Los Angeles, tendo uma presença massiva no espaço público.

“Enquanto as mensagens comerciais te dizem para comprar, as mensagens artísticas te encorajam a olhar e pensar para além delas”, reforça Kimberli Meyer. Assim, ao ocupar os espaços tradicionais da propaganda, os outdoors artísticos propoem um diálogo e provocam um pensar mais amplo sobre o papel dos espaços visuais nas cidades.

A exposição inclui os trabalhos de 21 artistas contemporâneos, como Kerry Tribe, Kenneth Anger, Michael Asher, Kori Newkirk, Jennifer Bornstein, Yvonne Rainer e James Wellin e fica na cidade para quem passar por lá até o fim de março (todos os trabalhos podem ser vistos no mapa interativo no site do projeto).

por Andrew Byrom

Enquanto a Oyster provocava, a conceituada Wired resolveu mostrar um vídeo do que seria o futuro das publicações, com base na evolução e nas mudanças de hábitos e conceitos que temos vivido nos últimos anos.

Seu protótipo de revista digital é interessante. Pensar que a experiência de leitura de uma revista pode mudar em pouquíssimo tempo é estimulante para uns e assustador para outros, que curtem o toque do papel, o “virar a página” e suas cores vivas.

Aliás, esse é um ponto que vale ser levantado. O protótipo da Wired mostra alguma interação e muitas cores. O que me fez pensar em algo que é uma queixa entre os adeptos de e-books: o excesso de preto no branco. Quem tem o Kindle, da Amazon, não vê cores. Nem no e-reader da Sony. E apesar de ser agradável a leitura exatamente por não refletir luz, é curioso notar que até o papel de um livro reflete mais luz que o gadget. Um exemplo claro é visto na foto que abre o post, onde a página da esquerda é eletrônica, e a da direita, papel.
Logo, ter publicações com a mesma intensidade visual é algo extremamente atraente. E em se tratando da Wired, isso jamais poderia ser diferente.

No quesito interação, é legal o modo que passamos a ver gráficos, por exemplo. Clicando nas variáveis, temos diferentes informações. Mas ainda achei pouco. 

A tablet da Sports Illustrated traz esses recursos muito mais avançados, com vídeos, inclusive. O que torna a experiência melhor e mais completa, sem dúvida. Mais no estilo iPad, da Apple.

Outros dois detalhes chamam a atenção naturalmente, ao ver a proposta da Wired: o formato, que permanece com cara de revista impressa, e os anúncios, que continuam idênticos aos impressos.

Não acredito que manter o formato “revista impressa” seja uma estratégia para agradar aos apaixonados pelo meio. Desenvolver uma linguagem própria e específica me parece mais sábio e coerente. Tanto em redação como em direção de arte.

O mesmo digo para anúncios. Mouse-over sobre o logo que me leva ao site é óbvio demais, e pouco atraente. Seria legal ter novidades na área, também. O leitor vai naturalmente esperar por isso.

A própria Wired já levantou outros pontos que seriam importantes para a evolução das revistas digitais, e um deles é a flexibilidade. A pessoa conseguir dar aquele jeitinho para carregar o gadget.

Ou seja, tudo indica que as revistas terão outra cara logo mais. Semelhantes ao que temos hoje em alguns aspectos, e infinitamente diferentes, insistirão os apaixonados por papel.
Talvez valha guardar alguns exemplares de hoje para a posteridade, pelo menos para matar a saudade quando ela bater.

A revista australiana Oyster decidiu fazer uma provocação na capa da sua 85 edição – juntamente com seu redesenho, declarou que a impressão está morta (como traduzir isso melhor?). Mas a cutucada e o questionamento (bem que o título poderia vir seguido de uma interrogação e não de um ponto de exclamação), ficam apenas na porta de entrada, já que em suas páginas impressas ela continua apresentando o melhor da moda Australiana e mundial com incríveis fotos muito bem impressas.

Seu site, aliás, segue com o layout e o logotipo antigo….

Nesta frase do outdoor estratégicamente colocado em uma das passarelas que atravessam o bairro das galerias de NY, Chelsea, o artista multimídia Patrick Mimran discute o real valor da arte – não do ponto de vista cultural, obviamente, mas do ponto de vista de negócio. Se a frase é irônica, ela certamente ajuda a dar um empurrãozinho em tudo aquilo que possamos viar pensar sobre o valor financeiro da arte moderna/contemporânea: quem define o valor? Em que bases? Quem compra? E por que compra?

Se para nós isso pode parecer tudo muito distante, é bom lembrar que o mercado de arte está cada vez mais perto dos pobres mortais através da arte acessível ou affordable art (vide feiras especializadas e propostas originais como a galeria online 20X200). Pequenos colecionadores trocam informações sobre suas aquisições (MyArtSpace e IndependentCollectors entre outros) enquanto grandes artistas aproveitam a onda para vender e fazer mais tostões (olha o Damien Hirst mais uma vez aí gente).

Enquanto isso, vindo bem a calhar a esta discussão, a Estrela acaba de lançar um jogo chamado Mercado de Arte. No meio da brincadeira, que lembra muito um Banco Imobiliário tendo obras de arte no lugar de imóveis e terrenos, é impossível não pensar no quanto o quesito sorte é fundamental para que uma obra de arte seja bem avaliada (ou, melhor, bem comprada) e o quanto é importante cair nas mãos certas para ser bem sucedido. (As informações sobre o jogo ainda não estão disponíveis no site da marca. Tudo que li foi escrito em uma reportagem-desafio feito na Folha de São Paulo do domingo passado (07/02) e no blog Tons de Pêssego, aparentemente de uma das desenvolvedoras do jogo)

E a senhora cubana (radicada em Nova York) de 94 anos de idade que caiu nas graças do mercado de arte apenas há 5 anos atrás quando vendeu seu primeiro quadro (depois de uma prolífica produçõa de mais de 60 anos)? E no meio do artigo feito sobre ela no New York Times, chama atenção a constatação “Over the decades, Ms. Herrera had a solo show here and there, including a couple at museums (the Alternative Museum in 1984, El Museo del Barrio in 1998). But she never sold anything, and never needed, or aggressively sought, the affirmation of the market.”

Afinal, a arte precisa do mercado ou o mercado precisa da arte?

(a foto extraída do NYTimes apresenta Carmen Herrera, 94 anos, em seu loft em Manhattan)

Damien Hirst causou furor mais uma vez quando apareceu com sua obra “caveira recoberta por diamantes-milhares-de-diamantes!” (For the Love of God, 2007), uma caveira humana recoberta por exatamente 8.601 diamantes com o valor de mercado de 100 milhões de dólares. A coisa toda causou uma repercussão enorme para o artista, apesar da peça nunca ter sido adquirida no mercado de arte (o próprio Hirst e um consórcio adquiriu a obra algum tempo depois).

Para discutir ou brincar com a questão da arte contemporânea, um grupo de Londres criou o conceito IARTISTLONDON que propoe kits para que todos possam se sentir um pouco artistas, de uma forma que não precise conhecimento e tão pouco habilidade.

O primeiro produto da empresa é justamente um kit com PLASTIC HUMAN SIZE SKULL, CRYSTAL BEADS (8,601 PIECES), GLUE, PAINTBRUSH, TWEEZERS, SILVER PAINT, INSTRUCTIONS, para que cada um seja também um pouco Damien Hirst.

A empresa descreve seus produtos da seguinte forma “is a brand new way of creating your very own contemporary work of art. It’s quick, it’s easy and you don’t need any artistic training or ability to start making great pieces! We supply you with all the necessary tools to produce your personalized copy of an original master.”

Banalização da arte? Discussão sobre o mercado? Seja o que e como for, não deixa de ser divertido

Nos últimos anos, meses, e a cada dia, vemos o fim de eras e mais eras. A era da indústria da música, por exemplo, já era. Não no sentido literal, mas tendo em vista que é uma indústria, assim como tantas outras, que deverá se recriar, se reinventar, para sobreviver e convencer as pessoas (mercado, clientes, investidores) de que ela é pertinente e pertencente a este novo mundo.

No dia 30 de janeiro o artista pop-star Damien Hirst abriu sua mais recente exposição na Gagosian Gallery em NY, em uma retrospectiva com direito a novas obras chamada oportunamente de “End of an Era” – ele próprio, um contestador da arte como ela é, no sentido produtivo, criativo e mercadológico da palavra. O título da exposição também tem um viés bíblico, materializado em algumas obras como o touro com chifres de ouro e o dia do julgamento representado através de mais de 30 mil diamantes.

Hirst brinca com a ideia de arte, confundindo o espectador e, inevitavelmente, provocando-o e levando-o a refletir sobre a arte desses nossos novos tempos.

Fotos do site TrendLand